Las imagenes más sorprendentes y impactantes de la década

Las imagenes más sorprendentes y impactantes de la década

Desde una mirada fija a los ojos de extraños hasta un banco elevado por renos, Kelly Grovier elige algunas de las obras de arte más memorables de la última década.

Por alguna peculiaridad de la cronología cultural, es en la segunda década de un nuevo siglo que el genio artístico realmente se reduce a los negocios que definen la era. Son los años 1810 los que nos dieron The Third of May 1808 (1814) de Francisco Goya, Wanderer de Caspar David Friedrich sobre el mar de niebla (1818) y The Raft of the Medusa de Théodore Géricault (1818-19). A su vez, la década de 1910 trajo The Dream (1910) de Henri Rousseau, The Dance (1910) de Henri Matisse, y el urinario volteó a su lado y repitió escandalosamente una escultura (Fuente, 1917) de Marcel Duchamp.

¿Pero qué pasa con la década que acaba de terminar? ¿Qué artistas y qué obras marcan las tendencias por las cuales se recordará la década de 2010, si no la edad misma? La década ciertamente tuvo un comienzo memorable con obras innovadoras de la artista de performance Marina Abramović, nacida en Belgrado, y del artista multimedia estadounidense-suizo Christian Marclay, obras cuya fascinación por los temas de visión y el paso del tiempo presagiaron el temperamento artístico de los años que siguieron

(Crédito: Getty Images)
Para su actuación de 2010 The Artist is Present, Marina Abramović se encontró con la mirada de extraños en el MoMA, muchos de los cuales se conmovieron hasta las lágrimas (Crédito: Getty Images)

Durante 736 horas y media en la primavera de 2010, Abramović miró en un silencio pedregoso a una visitante tras otra que hacía cola para sentarse frente a ella en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, mientras miraba el acto de mirar. de vuelta en los asistentes a la galería. Ese fue también el año en que Marclay reveló uno de los relojes más extraordinarios jamás creados: The Clock, una película de 24 horas que empalmó minuciosamente de fragmentos de películas de Hollywood en las que los relojes, relojes y otros relojes cuentan fugazmente: un diurno bucle sincronizado para mantener el tiempo perfecto con cualquier hora y minuto que esté en el mundo real fuera de la película.

Atractivo efímero

¿Podría alguna década mantener el ritmo de tal ingenio creativo? La venta que atrapó los titulares y provocó jadeo a principios de este mes de un plátano pegado a una pared (la creación del artista italiano Maurizio Cattelan), que atrajo no a uno sino a dos compradores dispuestos a desembolsar más de $ 120,000 (£ 91,000) por el Una pieza perecedera en Art Basel en Miami, razonablemente podría hacer que uno se pregunte si las cosas han resbalado un poco desde que Abramović y Marclay comenzaron a funcionar hace una década. Especialmente después de que un visitante de la galería decidió comer el plátano , lo que llevó a llamar a la policía para vigilar su reemplazo. Pero incluso el trabajo aparentemente descartable de Cattelan se flexiona con mayor profundidad de lo que uno podría sospechar inicialmente. Como todas sus obras (incluido un inodoro de oro de 18 quilates en pleno funcionamiento por valor de millonesrobado del Palacio de Blenheim en septiembre ), la escultura afrutada, titulada Comediante, está llena de significados conceptuales que contradicen su aspecto frívolo.

Entre los botánicos del siglo XVII, se sospechaba que el plátano (en lugar de la manzana) era la fruta prohibida robada por Eva y Adán.

Los plátanos, que viajan más que la mayoría de los consumidores que los compran, están llenos de problemas éticos sobre el impacto ambiental de su distribución y el tratamiento de los agricultores que los producen. En el Reino Unido, Brexiteers se apoderó de la fruta como un símbolo de lo que vieron como lo absurdo de las regulaciones de la UE, que, insistieron, prohibieron la venta de cualquier plátano sin una curva perfecta (un reclamo ampliamente cuestionado). Entre los botánicos del siglo XVII , se sospechaba que el plátano (en lugar de la manzana) era la fruta prohibida robada por Eva y Adán y, por lo tanto, se vinculaba para siempre con la expulsión de la humanidad del Paraíso. Al mismo tiempo cómico y trágico en sus connotaciones culturales, el plátano es un boomerang que, como todos los grandes accesorios artísticos, hace saltar la imaginación.

(Crédito: Getty Images)
Para su obra de arte Comedian, Maurizio Cattelan pegó un plátano en la pared de una galería en Art Basel Miami Beach; se retiró de la pantalla después de “movimientos incontrolables de multitudes”

El escandaloso trabajo de Cattelan lleva la noción de Duchamp del ‘readymade’ (un término acuñado por el artista francés para los objetos encontrados, como su urinario, reutilizado como arte) a otro nivel de audaz aplomo. Su entusiasmo es indicativo del espíritu de muchas de las obras más innovadoras y notables de los últimos 10 años: pinturas, esculturas e instalaciones que difuminan los límites y buscan desafiar cómo el arte se relaciona con todo, desde el cuerpo humano hasta el tiempo, desde la ciencia hasta el retrato. , memoria al lenguaje. Tres años después de que Abramović organizara su concurso de miradas en Nueva York, la artista británica Gina Czarnecki subió la apuesta en la mirada intrusiva al proyectar escaneos magnificados de los ojos de los participantes en enormes pantallas y contra los lados de los edificios. El intenso trabajo de Czarnecki, simplemente titulado ‘I’ (2013), disecciona juguetonamente la dinámica del arte al aislar el acto de mirar y al hacer de la visión en sí misma el objeto mismo de nuestra visión.

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Las enormes proyecciones de Gina Czarnecki utilizan la misma tecnología de escaneo del iris que la utilizada en los aeropuertos, supuestamente la identificación no invasiva más precisa (Crédito: Getty Images)

Donde el espectáculo de Czarnecki se basa en la ciencia y la precisión de las imágenes oftalmológicas, el hermoso y desconcertante gizmo Triple Point (Planetario) de la artista estadounidense Sarah Sze , creado el mismo año, se basa en nada más que asombro y creencia ciega. Tan complejo como sin función, el artilugio pseudoastronómico de Sze, con el que representó a los EE. UU. En la 55a Bienal Internacional de Venecia en 2013, está formado por radios y engranajes inútiles, ramitas y una bola de discoteca, palillos de dientes y los delicados filamentos de un diente de león. cerda. Integrado en un motor descomunal de maravilla sin sentido, el trabajo de Sze gira en la imaginación como la máquina del tiempo de un físico loco, como si todo lo que alguna vez hemos tocado o adquirido sea un componente horológico en el gran motor de estar aquí.

Un momento infinito

El tiempo y su escurridizo deslizamiento a través del reloj de arena del infinito también son energías que pululan en la imaginación del artista británico Mark Alexander, con sede en Berlín, cuya exquisita serie de retratos de madres e hijos está forjada completamente a partir de granos de arena. Recordando iconos medievales y renacentistas que estamos acostumbrados a ver brillar con resplandor religioso, las Madonnas de arena de Alejandro(2019) son inquietantemente inquietantes en su crudeza elemental. Delicadamente grabado como si por el aliento, los tiernos abrazos que capturan parecen tan frágiles que incluso el más débil susurro de una oración moribunda podría destrozarlos. Incluso sus marcos están fusionados de arena. Ni la escultura ni la pintura, pero ambas, la serie desafía las categorías convencionales y los havers entre los modos tradicionales de ver y decir, una aspiración recurrente del arte del ahora.

(Crédito: Getty Images)
Eleuthera de Sean Scully se exhibirá en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga hasta el 19 de enero de 2020 (Crédito: Getty Images)

La ruptura de las formas y las expectativas cambiantes es también el corazón de una de las obras más sorprendentes que surgieron en el transcurso de los últimos diez años: los 23 retratos a gran escala del pintor irlandés Sean Scully de su hijo jugando en una playa, titulados colectivamente Eleuthera (2016 -17). Reconocido por sus audaces lienzos de rayas expresivas y bloques apretados de color maltratado (obras que rescataron la pintura abstracta de la morbilidad minimalista a principios de la década de 1980), Scully abandonó el trabajo figurativo hace medio siglo.

Borrando las líneas

Donde la serie de Alexander granula el pasado en una belleza frágil, las pinturas de Scully parecen moler la arena que su hijo saca, moldea y acaricia en la fortaleza de un castillo, en alegres paneles de memoria íntima. Articulada por amplias y sinuosas franjas de densos colores primarios, Eleuthera (el nombre de la isla de las Bahamas donde se tomaron fotos del hijo del artista) difumina la distinción entre figuración y abstracción. Las losas angulares y las bandas con cepillo que estamos acostumbrados a ver en la obra del artista se han aflojado, fundido en algo más elástico: una mota protectora que envuelve al niño como un útero eterno.

La preocupación de Alexander y Scully por la inocencia y la fragilidad de la infancia es indicativo de otra tendencia que se extendió por la conciencia artística de la década, con efectos variables. El disidente artista conceptual chino Ai Weiwei (estudiante de Scully en Nueva York a principios de la década de 1980) causó revuelo en 2016 cuando recreó una foto viral de un niño refugiado sirio ahogado. Para el replanteo, Ai se colocó en la posición sin vida y boca abajo del niño Alan Kurdi, cuyo cuerpo fue encontrado en una playa en Turquía en 2015. Mientras que algunos aclamaron la foto del artista como empática y poderosa, otros la ridiculizaron como explotador y moralmente equivocado.

(Crédito: Getty Images)
A pesar de que Banksy destrozó su lienzo momentos después de que se vendió en una subasta, el comprador honró la venta, y los expertos dijeron que había duplicado su valor (Crédito: Getty Images)

Quizás ningún artista en la última década haya entendido el impacto emotivo de la imagen de un niño más que el reservado muralista callejero Banksy. Su travesura traviesa de destruir su propia pintura de una joven que busca en vano un globo en forma de corazón que está flotando lejos, momentos después del trabajo vendido en una subasta en 2018, deslizando el lienzo a través de una trituradora que había ocultado en el marco de la obra. , pertenece al plátano con cinta adhesiva de Cattelan como uno de los momentos más memorables en el mundo del arte durante la década de 2010.

(Crédito: Banksy / Instagram)
Banksy acaba de pintar renos en una pared en Birmingham, tirando de un banco que las personas sin hogar usan como cama (Crédito: Banksy / Instagram)

El mural más reciente de Banksy , presentado en Navidad a principios de este mes en Birmingham, Reino Unido, nos invita a imaginar el despegue mágico de los renos (grafitados en una pared de ladrillos en el Jewellery Quarter de la ciudad) de un banco de la calle a menudo utilizado por personas sin hogar como Cama improvisada. Al igual que la encantadora máquina del tiempo de Sze, y de hecho todas las mejores obras de la época, el generoso regalo navideño de Banksy derriba las barreras entre este mundo de tristeza y sufrimiento muy frecuentes y uno mejor con el que solo podemos soñar. Como metáfora de hacia dónde nos llevará el arte en los próximos 10 años, los hermosos y cautivadores renos de Banksy son un signo feliz y esperanzador.

Red Producciones.tv

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